La danse est l'écho vibrant du monde, de l'histoire et des sociétés. Du classique à la danse contemporaine, le territoire des esthétiques est vaste. Ainsi, les décennies 1960-1970 ont vu émerger des danses aux influences multiples.
Le hip-hop, notamment, se réapproprie différentes formes d'art pour exister dans des sociétés très codifiées. Mais encore le voguing et le waacking qui rendent ostensibles les sentiments des minorités. Dans les années 2000, le krump laisse entendre, à son tour, le cri d'une jeunesse oubliée. La danse électro, quant à elle, 100 % française, essaime son esthétique du clubbing dans le monde.

Ce livre montre la danse comme un art résolument vivant, en évolution permanente, un phénomène social.

Il fait le portrait de 30 artisans du mouvement, qui font la danse d'aujourd'hui et de demain.
Laura Arend - Mehdi Baki - Marion Barbeau - Camille Bon - Mellina Boubetra - Grichka Caruge - Paula Comitre - Dexter - Carlota Dudek - Johanna Faye - Jade Fehlmann - Jann Gallois - Fauve Hautot - Nicolas Huchard - Edouard Hue - Leïla Ka - Mehdi Kerkouche - Pablo Legasa - Germain Louvet - Josepha Madoki - Antonin Monié - Yanis Marshall - Brandon Masele - Matteo Masson - Nach - Laura Nala - Arthur Perole - Amalia Salle - Noé Soulier - Léo Walk Lire la suite Fermer

- 20 chorégraphes phares

Pour découvrir comment on apprend à danser, quels sont les principaux pas, positions et exercices; mais aussi comment travaillent les petits rats à l'École de Danse de l'Opéra, comment les danseurs du Corps de Ballet et les Étoiles préparent des spectacles qui font tous rêver.

Qu'est-ce que la danse classique? Où apprend-on à danser ? À quel âge monte-t-on sur les pointes? Les garçons dansent-ils? Comment réussir le grand écart? Comment devient-on Étoile? Comment retient-on tous les pas d'un ballet ?

Si tu pratiques déjà la danse ou que tu rêves de t'y mettre, si tu sens que danser, ce n'est pas juste une pratique physique ou sportive, si tu souhaites créer avec le mouvement, ce livre est fait pour toi !
Danser, c'est jouer, travailler, sentir intensément, expérimenter, penser, imaginer, être avec les autres... Danser, c'est tout un art !
Au fil de ces pages... tu pourras : expérimenter des propositions de danse, écouter des danseuses et danseurs te raconter leurs expériences, observer des danses situées dans des époques et des styles différents, découvrir la fabrique du geste et faire de ta danse tout un art !

«Être danseur, c'est passer beaucoup de temps devant le miroir. Comment ne pas m'interroger à chaque spectacle sur mon rôle? Comment dois-je l'habiter, l'interpréter et le danser devant un public d'aujourd'hui? J'ai décidé de me raconter tel que je suis, pour être capable ensuite de m'adresser à ceux qu'on ne représente hélas jamais. Le chemin va être long, mais je ne me retournerai pas. Je dois accepter celui que j'étais hier et que je suis toujours, étoile ou pas. Le titre n'y change rien.» Le 28 décembre 2016, Germain Louvet est consacré danseur étoile à l'issue d'une représentation du Lac des cygnes. Investi d'une exigence d'excellence depuis son admission à l'école de danse de l'Opéra de Paris à l'âge de douze ans, il raconte sa passion, convoque les oeuvres qui le portent, celles qui lui résistent. Mais sur scène comme en coulisses, le danseur étoile essaie de bousculer l'ordre établi du milieu de la danse.

Germain Louvet fait porter sa voix en faveur de davantage de diversité, remet en cause les codes inculqués, questionne les stéréotypes des corps, et interroge sa pratique jusqu'à renverser l'idée de vocation. Ce récit est celui d'un artiste engagé, pour qui toutes les choses qui se dansent sont un cri. Lire la suite Fermer

Premier volume de la collection Pratiques consacrée à l'analyse des arts performatifs, cet ouvrage se propose de documenter et d'archiver le contenu du cours d'interprétation dispensé par Oscar Gómez Mata aux étudiants de La Manufacture - Haute école des arts de la scène, à Lausanne. Depuis le début des années 2000, son approche pédagogique singulière, qui se se distingue par l'accent mis sur la notion de présence et sur la situation de jeu en représentation, a fait de la «?méthode?» Oscar Gómez Mata une référence incontournable en matière de formation de l'acteur. L'originalité de son travail de pédagogue réside dans sa considération de la pratique du métier d'acteur comme une matière à travailler et à entraîner plutôt que comme un acquis ou un don. Comment penser l'action?? Par quels termes la décrire, en quelles étapes la décomposer ? Comment analyser en mots ce qui constitue la présence singulière d'un acteur ? À travers la description de cette méthode pédagogique, ce livre contribue également à une réflexion générale sur le vocabulaire de la présence scénique et rend compte d'une recherche sur les termes employés pour décrire une activité qui, parce qu'elle s'inscrit dans le domaine du sensible, reste encore souvent mal identifiée. Le livre s'ouvre sur une introduction à la pédagogie d'Oscar Gómez Mata ainsi qu'une remise en contexte de sa pratique vis-à-vis d'autres méthodes de jeu ayant fait date comme celles de Constantin Stanislavski, Jerzy Grotowski ou Eugenio Barba. Cette analyse est complétée par un entretien portant sur les objectifs de la méthode proposée et sur ses enjeux esthétiques. Cinq exercices pratiques sont ensuite détaillés (« Des gens qui marchent », « Émetteur/Récepteur », « Poser sa ‹ présence rien faire › », « La boule en plomb », « Trois bassins ») afin de donner au lecteur des exemples d'application concrets de cette méthode pédagogique. Ce livre devient ainsi un manuel pratique à l'usage des comédiens en formation et aguerris. Lire la suite Fermer

Des premiers spectacles aux grandes créations, la danseuse, chorégraphe et professeur retrace le parcours d'une vie tout entière dédiée à la danse.

Merveilleux testament que cette autobiographie de Martha Graham, achevée peu de jours avant sa mort, à quatre-vingt-seize ans, le 1er avril 1991. Celle qui révolutionna son art au point que, dans son domaine, on peut la comparer à Picasso, Joyce ou Stravinski, se raconte et retrace le parcours d'une vie tout entière dédiée à la danse. De ses premiers spectacles, avec trois danseurs, jusqu'à ses grandes créations, elle se révèle intensément américaine dans ses obsessions (la frontière vers l'Ouest qui sans cesse recule) et profondément de son temps (les grandes figures mythologiques revisitées par la psychanalyse la hantent).

Elle a - brisant les moules traditionnels - inventé un nouvel usage du corps, fondé sur la respiration, sur la liberté du geste, et sur la conviction que nous avons hérité de notre mémoire "ancestrale" des impulsions de mouvements. A la fois danseuse, chorégraphe et professeur, Martha Graham n'a cessé de se battre pour un art nouveau.

Ses souvenirs sont ceux d'une grande dame de notre siècle, véritable "mémoire de la danse" nourrie de ses rencontres avec les artistes et les célébrités de ce monde, de ses confrontations avec ses élèves - dont Madonna, Woody Allen ou Mikhaïl Baryshnikov ne furent pas les moindres. De chacun d'eux elle parle avec tendresse et pertinence, dressant ainsi d'elle-même, en creux, le portrait d'une femme exigeante et pugnace.
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Danse, performance, cinéma, écrits théoriques et poétiques : dans la multiplicité de sa création artistique et intellectuelle, l'artiste étasunienne Yvonne Rainer occupe une place fondamentale dans l'histoire de l'art contemporain. Instigatrice du changement de paradigme postmoderne en danse, elle arrache le geste ordinaire à la vie quotidienne pour le placer au coeur de la création chorégraphique, en radicale juxtaposition avec des textes, des images et des objets. À partir des années 1970, elle émerge parmi les figures centrales du cinéma expérimental et indépendant, en dialogue avec les pensées et les luttes féministes, queers et postcoloniales. Traversant l'ensemble de l'oeuvre de Rainer, de l'orée des années 1960 à aujourd'hui, en suivant son trajet de la danse au cinéma, puis du cinéma à la danse, cette monographie affirme un point de vue singulier en envisageant son travail artistique sous l'angle de la subjectivité et de l'émotion. Car l'artiste a impulsé un renouvellement radical du matériau affectif dans la pratique artistique en l'envisageant comme un fait, une réalité objective. Dans un contexte où l'ennui agit comme un style affectif dominant au sein de l'avant-garde. Lire la suite Fermer

Créée en 1990, la pièce de Pina Bausch Palermo Palermo conserve toute sa singularité, à la fois du point de vue des conditions de sa production et du contexte de sa création. En effet, mobilisée par un grand soulèvement citoyen contre la mafia et les instances gangrenées par elle, Palerme traverse alors une période qui a été définie comme le « Printemps palermitain » (1985-1990). Palermo Palermo est aussi la seule pièce de Pina Bausch qui revendique de manière frontale, jusque dans son titre même, le dialogue avec un territoire donné, son passé et, donc, son actualité. Entre ruines, tarentelle et puppi, on voit surgir dans Palermo Palermo les figures d´une Sicile mythique, originaire, sauvage, traditionnelle, rurale, mais détournées et dilatées dans le présent par la danse.
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Le Ballet du Grand Théâtre de Genève visite le monde entier depuis près de vingt ans que Philippe Cohen le dirige. Il a fait reconnaître non seulement des oeuvres de chorégraphes aussi différents que Saburo Teshigawara, Benjamin Millepied ou Andonis Foniadakis, mais encore la qualité de ses danseurs tous virtuoses et pourtant tous unis au sein d'une structure dont son directeur se plaît à répéter?: «?la star, c'est le ballet?».
Car ces vingt ans de direction de Philippe Cohen ont été pour le Ballet du Grand Théâtre l'occasion d'expérimenter une organisation différente de cette structure dans le fond si étrange que l'on appelle «?ballet?» et que l'on comprend et connaît si mal. Alors, au moment de quitter ses fonctions, Philippe Cohen a souhaité, plus encore que tirer un bilan, analyser pourquoi et comment peut fonctionner un ballet dans le monde d'aujourd'hui. Comment et pourquoi cette organisation artistique qui renvoie à un imaginaire ancré dans le passé offre à la danse un outil qui permet d'appréhender l'avenir de l'art chorégraphique.
En effet, pas plus que les autres structures sociales, le ballet ne peut s'exonérer de s'interroger sur son rapport aux désirs profonds de ceux qui le constituent. Le ballet doit aujourd'hui se tourner vers les danseurs et permettre à la danse, à travers ces structures qui bénéficient de moyens et du filet de sécurité de l'institution les abritant, de conjuguer l'aspiration naturelle des danseurs à une vie plus normale et des chorégraphes à disposer des moyens de leur création.
Ce livre, réalisé avec Philippe Cohen par Philippe Verrièle, se veut à la fois le témoin d'une aventure et une réflexion pour servir à la danse à venir. Lire la suite Fermer

Jonathan Burrows écrit ce livre comme il chorégraphie une danse, avec l'intention de révéler les activités et questionnements que partagent les chorégraphes dans leur pratique. L'auteur interroge les motivations à créer un spectacle, les choix de composition, le rôle de l'humour, la virtuosité, la gestion des contraintes du marché.. En prônant l'art de la question, le danseur-chorégraphe anglais invite le lecteur à trouver son propre chemin et processus esthétique, tout en faisant découvrir la richesse et la complexité de l'activité chorégraphique.

Au travers d'une nouvelle lecture minutieuse des Cahiers de Vaslav Nijinski, qu'on qualifia de « fou », et en les sortant de la réduction au diagnostic psychiatrique dont ils sont encore l'objet, Madeleine Abassade fait apparaître la révolte du danseur contre un ordre établi dont il fut l'instrument et dont il cherchera à s'émanciper en créant ses propres chorégraphies.
Hiver 1919. Le célèbre danseur et chorégraphe russe Vaslav Nijinski écrit sans trêve jour et nuit, depuis la Suisse où il s'est réfugié deux ans plus tôt. Son épouse le fera interner de force à l'hôpital psychiatrique de Zurich, falsifiera ses manuscrits avant de les publier comme témoignage de l'écriture d'un schizophrène. Bien que traduit au plus près de son écriture originale à partir de 1995, le livre du chorégraphe de L'Après-midi d'un faune et du Sacre du printemps est toujours considéré aujourd'hui comme les signes de sa bascule dans la folie.
Reprenant la lecture des Cahiers en menant une enquête minutieuse, Madeleine Abassade les débarrasse enfin de leur étiquette morbide. N'est-ce pas la pensée politique et spirituelle de Léon Tolstoï et peut-être celle du révolutionnaire insurgé Maxime Gorki que Nijinski interroge ? Au travers d'une remise en contextes historiques des secousses qui ébranlent l'artiste comme le monde et par l'examen de son écriture spiralée, répétitive, poétique, on découvre alors un Nijinski sensuel, sensible, passionné, non violent, dénonçant les inégalités sociales, pacifiste convaincu, insoumis, dont l'écriture dansante est engagée vers la quête d'une transformation. Là, Dieu n'est pas dans les icônes, mais bien dans les corps. Là, la vie comprend la mort et l'artiste danse l'imprévu. L'écriture de Nijinski est bien aussi radicale et révolutionnaire que l'était sa danse. Lire la suite Fermer

Ludique, poétique, non linéaire et non hiérarchisé, cet abécédaire vient combler un vide sur la question plurielle du corps dansant. Après des années de recherche et de pratique, la chercheure Andrée Martin et la photographe Dominique Malaterre ont conçu cet ouvrage singulier et unique, qui, au-delà de la danse, pose une réflexion sur notre rapport au corps et notre vision de celui-ci. Un ouvrage de recherche et création majeur, et un livre-objet incomparable.

Dominique Delouche est le réalisateur de 24 heures de la vie d'une femme, de L'homme de Désir, de Divine. Il est aussi le Cinéaste de la Danse. Puisant dans ses souvenirs de tournage, au regard de sa caméra et des liens qu'il a tissés avec eux, il évoque ici les plus grands danseurs et chorégraphes, de Lifar à Jerome Robbins, de Vassiliev et Plissetskaïa à Markova, de Chauviré à Guillem, de Vassiliev à Noureev en passant par les plus grandes étoiles de l'Opéra de Paris. - - Anecdotes, admiration, études stylistiques éclairent cette trentaine de portraits et constituent un Essai sur l'histoire récente du Ballet. -

La danse, qui est inscrite dans l'histoire de l'humanité, peut être considérée comme l'art de relier. Elle renvoie à la peinture, à sa plastique et à la pureté de ses lignes, elle valorise aussi la sculpture par sa façon de répartir les volumes, de mettre à l'honneur l'architecture par la richesse de ses compositions spatiales, et bien sûr, de rendre éloquent par l'expression du corps, la musique. Sa spécificité, qui est le mouvement, implique une temporalité propre au vivant qui est de l'ordre de l'instant. Son rapport au présent, qui la rend éphémère, est aussi une façon de défendre des valeurs philosophiques et techniques qui relèvent du patrimoine culturel.
En pénétrant ainsi le monde de l'art de la danse avec l'appui de photographies du célèbre Guy Delahaye, Isabelle Namèche invite le lecteur à la suivre dans ce grand voyage du mouvement dansé qu'elle entreprend aux côtés de figures qui ont marqué cet art. De l'hégémonie du classique à l'apparition de contre-modèles, la danse nous montre qu'elle est aussi l'histoire d'une biologie, celle de notre nature humaine.
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Une histoire de la danse à Lyon et en France des 40 dernières années à travers le récit des diverses vies de Guy Darmet, directeur pendant 30 ans de la Maison de la Danse et initiateur de la première Biennale Internationale de danse.
Comment prendre au sérieux quelqu'un qui a fait défiler des moutons rue de la République à Lyon ? Comment ne pas s'étonner en le voyant au bras de Cyd Charisse ? Comment ne pas être amusé, lorsque le même se déguise en roi Momo, personnage truculent des carnavals brésiliens? Et que penser quand il fait entrer les gnawas de Marrakech dans la cathédrale Saint-Jean ? Guy Darmet allait pourtant devenir l'un des plus inventifs programmateurs de danse, dirigeant pendant 30 ans la Maison de la Danse, initiant en 1984 la première Biennale Internationale dédiée à cet art souvent considéré comme mineur et, en 1996, le Défilé, un carnaval populaire confié à des chorégraphes et à des amateurs.
Ayant suivi cette aventure depuis ses débuts, Marie-Christine Vernay n'a pas souhaité en tirer seulement un document d'archive, ni même un simple portrait ou un simple entretien... Ce récit kaléidoscopique, aux multiples portes d'entrée (et de sortie), est une invitation à la danse sans carnet de bal nominatif. Marie-Christine Vernay a cheminé un temps avec Guy Darmet, à Lyon, à Rio, afin de plonger dans ses souvenirs. Puis elle a interviewé de nombreux témoins de ses histoires singulières. Se superposent ainsi, à travers le récit des diverses vies de Guy Darmet, en filigrane, une certaine histoire de la danse à Lyon et en France des 40 dernières années. Ce livre est constitué d'une multitude d'histoires courtes où l'on croise beaucoup de danseurs et de chorégraphes de tous horizons, une équipe de choc autour de Guy, le solitaire, l'exigeant et parfois le colérique. L'occasion pour l'auteure de mettre son grain de sel pour répondre à cette question qui la taraude : « est-ce que vous dansez ? ».

« Il est à la G13, son fauteuil dans la salle de la Maison de la Danse, la place du directeur, sa place. Il n'applaudit pas du bout des doigts, tout son être vibre. Il ne se retourne pas pour voir si le public et les rangs des critiques sont aussi enthousiastes que lui. Guy Darmet est atteint de la maladie de la danse, un mal assez rare contre lequel aucun remède ne semble agir et qui conduira la Giselle du ballet classique à la mort et la Belle au Bois Dormant à se shooter dans la version de Mats Ek. ».
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Cet ouvrage se situe à la croisée des recherches en danse contemporaine et des études littéraires, théâtrales et de la performance. Gestualités et textualités, leurs relations, leurs tensions, délimitent un angle pour aborder la danse contemporaine. On voit se multiplier de nos jours, et sous toutes leurs formes, les croisements du verbal et du kinétique, ainsi que les collaborations entre écrivains et chorégraphes. Pourquoi ces rencontres du texte et du geste ont-elles lieu  ? Quels rapports entretiennent aujourd'hui corps et voix, gestes et mots, danse et parole, chorégraphie et écriture  ?

Ce volume, délibérément interdisciplinaire, rassemble les contributions de chercheurs en danse, en littérature, en études théâtrales et en philosophie de l'art, ainsi que des entretiens avec des chorégraphes majeurs de la scène contemporaine (Olivia Grandville, Maguy Marin, Mathilde Monnier, Andrea Sitter).
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Ce livre retrace l'histoire du festival de danse contemporaine à Paris, « Faits d'hiver », à l'occasion de son vingtième anniversaire qui aura lieu en janvier 2018.
Plutôt qu'être un simple hommage ou commémoratif, il propose un point de vue sur ces deux décennies de rencontres entre ces auteurs singuliers que sont les chorégraphes et les spectateurs. Parce que c'est d'un festival qu'il est aussi question, l'expérience des spectateurs semble incontournable.
25 « témoins » (critiques, journalistes) ayant assisté à un spectacle parmi les plus marquants au fil de ces 20 ans de festival donnent leur témoignage :
Plutôt que de livrer une critique, ils racontent le soir précis où ils ont assisté à cette pièce, les souvenirs qu'ils en ont, pourquoi ils avaient pris la décision de venir passer cette soirée, ce que le temps a confirmé ou infirmé de cette création, bref, leur rapport avec cette oeuvre. Il s'agit donc de regards personnels, subjectifs parfois décalés, ironiques ou enthousiastes.
En écho à chacune des 25 pièces chorégraphiques que racontent ces témoignages, une thématique liée à la danse est abordée : l'érotisme, la danse populaire, l'autofiction, le féminisme, la danse théâtre, du numérique, in situ, etc.
En annexes, des portraits des chorégraphes et le programme complet des 20 années du festival.
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Depuis les années 1980 en France, les expériences urbaines contribuent au renouvellement de la performance chorégraphique. En se multipliant, les propositions « hors les murs » produisent des actions sociales et citoyennes plutôt que des oeuvres élitistes faisant de l'art un produit abstrait. La danse s'affiche alors dans des dispositifs où des individus, appartenant à des mondes sociaux différenciés, peuvent se rencontrer et interagir différemment.
S'intéresser aux usages de l'espace urbain et aux espaces des usages en danse offre un nouvel éclairage sur les compétences qui se développent sur les terrains chorégraphiques, dans des contextes in situ, où l'imprévisible (ré)active les jeux de rôles. Ces compétences donnent aux phénomènes spatiaux une dimension heuristique pour appréhender les transformations du monde de la danse.
À partir d'une enquête ethnographique multi-située, l'ouvrage s'intéresse à l'espace dans toutes ses dimensions. L'étude montre comment les expériences dans l'espace urbain prennent corps dans les carrières des danseurs, leur permettant de circuler pour s'adapter à une société qui se développe de plus en plus en réseaux. Lire la suite Fermer

"Pendant plus de trente ans, Laurence Louppe a ouvert la route à de nombreux danseurs et chorégraphes. Son apport théorique à la Culture chorégraphique est énorme, tout autant que l apport sensible qu elle a diffusé au monde chorégraphique et artistique. Cet ouvrage propose, en deux volumes, la transcription de cours donnés au Cefedem Sud d Aubagne dans le cadre de la formation de formateurs en Culture chorégraphique. Ce premier volume retranscrit les cours consacrés à la problématisation des outils en histoire de la danse : image, document et reproduction."

A la fois témoignage autobiographique, documentation sur le processus de création chorégraphique et partitions textuelles, cet ouvrage de la chorégraphe-danseuse américaine est également une réflexion approfondie autour des enseignements du corps. Cette édition augmentée propose un ensemble de documents qui recontextualisent et prolongent le texte original.

Au milieu des années 1990, Deborah Hay décide d'écrire une liste des enseignements reçus de son corps, ce « maître » auprès duquel elle se met au travail depuis plus de trente ans. La liste constituera la structure de son troisième livre, Mon corps, ce bouddhiste, paru aux États-Unis en 2000. À la fois témoignage sur le quotidien de la chorégraphe-danseuse, recueil de textes partitionnels et espace de réflexion sur sa pratique, cet ouvrage fait aussi le point, de manière plus programmatique, sur les concepts et les prises de position qui servent de moteur à ses expérimentations. En accompagnant la traduction de documents qui contextualisent et prolongent le texte original, cette édition en français se veut autant une porte d'entrée dans le corpus encore à défricher de la chorégraphe, qu'un manuel à l'usage d'une nouvelle génération d'artistes expérimentaux intéressés par le geste littéraire comme processus chorégraphique.
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À partir des paroles recueillies auprès de dix chorégraphes au cours d'une enquête qui s'est étirée sur trois ans, Yvane Chapuis, Myriam Gourfink et Julie Perrin ont élaboré un vocabulaire de la composition en danse. Il s'organise en vingt notions, mises en perspective historiquement ou conceptuellement, suivies de quatre discussions spécifiques et de dix portraits de circonstance.
Ce livre témoigne de pratiques et d'opérations qui donnent forme et sens aux oeuvres. Ouvrant à des conceptions hétérogènes de la composition, il n'épuise pas le champ des possibles, mais peut servir de repère pour aborder la création chorégraphique contemporaine.

Ce livre présente pour la première fois la signification spirituelle de la danse orientale. Fawzia y raconte d'abord son enfance à Bagdad entre les femmes irakiennes, les bédouines et les danses et prières des hommes. On y apprend comment elle fut initiée à la danse orientale par sa grand-mère et c'est là un témoignage original et inédit du rôle et du sens de cette danse pour les femmes du Moyen-Orient.
Fawzia décrit aussi précisément les poses de cette danse et les significations psychiques et spirituelles des mouvements. Elle détaille précisément des exercices qui ouvrent les centres d'énergies et nous permettent aussi de retrouver une harmonie intérieure. La danse concerne tout le corps et Fawzia nous montre comment ressentir chaque partie du corps pour nous ouvrir à notre espace intérieur de vie et de vibration.
En reliant également la danse orientale à la mystique soufie et notamment à la danse des derviches tourneurs, Fawzia explique la dimension mystique et ésotérique de cette danse. Ce livre se veut un guide sur le chemin vers soi-même, une ouverture à des perspectives et des conceptions de la vie nouvelles. Il vise à approfondir la compréhension du sens de la danse, à inspirer de nouveaux modes de conscience de soi et à aider les femmes à se rapprocher de leur corps.
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