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Perhaps best known for his exceptional apples and pears, Paul Cézanne (1839-1906) was one of the founding fathers of modern art. Though he was underappreciated and highly criticized during his life, as time passed Cézanne's work came to be considered of inestimable importance. His method of experimentation with abstraction and perspective was an important precursor to modern painting, particularly cubism.
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«Un jour, une femme me téléphone et me dit: M. Escher, je suis fascinée par votre travail. Dans votre estampe Reptiles, vous avez parfaitement illustré la réincarnation. Je lui ai répondu: Madame, si c'est ce que vous pensez, c'est certainement vrai.» Voilà un commentaire bien malicieux du célèbre artiste graphique néerlandais Maurits Cornelis Escher (1888-1972), dont le travail ne peut se limiter à des interprétations aussi hâtives ou tranchées. Bien avant que les images en 3D produites par ordinateur ne fascinent le public, Escher s'était affirmé comme le maître de la troisième dimension. Sa lithographie Miroir magique remonte à 1946. En choisissant ce titre à son livre, le mathématicien Bruno Ernst insiste sur cette fascination magique qu'exerce toujours l'oeuvre d'Escher sur tous ceux qui la contemplent. Ernst a rendu visite à Escher toutes les semaines pendant un an, abordant l'intégralité de son oeuvre avec lui. Au fil de leurs conversations s'est nouée une amitié qui a permis à Ernst d'entrer dans l'intimité de la vie d'Escher et de son univers conceptuel. Le texte d'Ernst était méticuleusement relu et corrigé par l'artiste lui-même. L'oeuvre d'Escher ne se laisse pas facilement étiqueter et de nombreuses questions demeurent. Pourquoi a-t-il réalisé ces images? Comment les a-t-il conçues? Quelles études préliminaires ont-elles été nécessaires pour parvenir à la version définitive? Et quel est le lien entre ses différentes oeuvres? Cet ouvrage, qui comprend des indications biographiques, 250 illustrations ainsi que l'explication de problèmes mathématiques, représente un texte de référence authentique de tout premier ordre qui offre les réponses à toutes ces questions, et à bien d'autres encore.
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Christo and Jeanne-Claude ; the mastaba ; project for Abu Dhabi
Christo, Jean-claude, Wolfgang Volz, Jonathan william Henery
- Taschen
- Grande Collection
- 19 Octobre 2012
- 9783836542098
Imaginée en 1977 et toujours en cours de conception, La Mastaba, projet pour Abu Dhabi de Christo et Jeanne-Claude sera la plus grande sculpture au monde, et la seule oeuvre monumentale permanente réalisée par ces artistes. La Mastaba, édifice ancien et familière aux gens de la région, sera constitué de 410 000 barils multicolores qui formeront une mosaïque de couleurs chatoyantes rappelant l'architecture islamique. La structure - qui doit être érigée près d'Al Gharabia, à environ 160 kilomètres au sud d'Abou Dhabi - mesurera 150 mètres de haut, 225 mètres de profondeur au niveau des murs inclinés à 60 degrés et 300 mètres de large au niveau des murs verticaux. La couleur et l'emplacement des barils en acier de 55 gallons ont été choisis par Christo et Jeanne-Claude en 1979, l'année où les deux artistes se sont rendus aux Émirats pour la première fois. Ils y sont retourné bien des fois depuis, établissant une amitié durable avec la population d'Abou Dhabi, mais leur projet n'est devenu techniquement réalisable que récemment.
En 2007 et 2008, Christo et Jeanne-Claude ont embauché des professeurs d'ingénierie enseignant dans quatre universités différentes du monde afin qu'il leur présentent des études de faisabilité structurelles. Les ingénieurs d'un cabinet privé ont ensuite comparé les différentes propositions de leurs collègues universitaires, et choisi le projet de l'université japonaise d'Hosei, qui préconise d'assembler toute l'infrastructure et les rangées de barils à plat au sol. Dix tours d'élévation hisseront ensuite les parois ainsi assemblées jusqu'à leur position définitive, au moyen de rails. L'opération devrait prendre trois ou quatre jours. Une fois achevé, le Mastaba sera non seulement la réalisation la plus imposante des deux artistes, mais aussi une de plus créations les plus grandes de l'histoire de l'humanité.
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« L'Art en même temps que la théorie de l'art. La beauté en même temps que le secret de la beauté. Le cinéma en même temps que l'explication du cinéma » - Jean-Luc Godard &agr ave; propos de Jean Renoir
Pour ce quatorzième volume de la collection Cinéastes, TASCHEN part sur les traces du réalisateur de La Grande illusion : Jean Renoir. A l'instar de son père Auguste, l'illustre peintre impressionniste, Jean Renoir (1894-1979) fut un virtuose dans son domaine. Depuis ses premiers longs métrages (La Fille de l'eau, La Chienne) jusqu'à ses chefs-d'oeuvre plus tardifs tels que La Règle du jeu et La Grande illusion généralement considérés comme deux des plus grands films jamais réalisés, il a su s'imposer comme le cinéaste français le plus connu et étudié. Hautement prolifique (il a plus de 40 films à son actif), Jean Renoir a eu recours à des genres très divers bien que le réalisme social fût son mode d'expression le plus puissant.
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"Tout est beau", déclarait un Andy Warhol enthousiaste, fasciné par le glamour de la vie moderne, de la société de consommation, du monde des médias et du spectacle. Cette formule aurait pu être la devise de la génération pop dont Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Tom Wesselmann, Richard Hamilton et bien d'autres artistes ont fait partie.
Les artistes pop des années 1960 ont profondément influencé la trame de l'histoire de l'art et leur empreinte reste toujours aussi sensible aujourd'hui. Dans ce livre, Tilman Osterwald revient sur les différents styles, thèmes et origines du Pop Art dans le monde.
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"Voilà encore un témoignage du regard et du talent extraordinaires de Claxton qui ne se contente pas simplement de montrer une star de cinéma à la vie comme à la scène. Claxton ressuscite grâce à son sujet une époque révolue." - Value Rich Magazine, Palm Springs "Un jour, il m'a emmené avec lui dans une Ford decapotable toute neuve, avec seulement quelques kilomètres au compteur. Il a conduit à toute vitesse pendant tellement longtemps sur l'autoroute que le moteur a commencé à fumer et a fini par s'enflammer. Il a alors ralenti et il m'a crié: "Clax, quand je te dirai de sauter, saute!" Nous avons sauté tous les deux, juste au moment où la voiture s'est embrasée complètement. Steve s'est assis au bord de la route, à une bonne distance de la voiture en feu, et il s'est mis à rire comme un fou." - William Claxton Partageant la même passion pour les voitures de sport, Steve McQueen (1930-1980) et William Claxton se sont liés d'amitié très tôt dans la carrière de McQueen et sont restés proches jusqu'à la mort prématurée de l'acteur. Claxton a suivi les diverses incarnations de McQueen (casse-cou, pilote de motocross comme de voitures de sport, star de cinéma, séducteur, père de famille, etc.), et a réussi à saisir chaque fois un autre aspect de la mystérieuse personnalité de McQueen, le gentil / mauvais garçon. Comme en témoigne cet album photo, le talent et la sensibilité photographiques de Claxton s'accordaient parfaitement au caractère de l'acteur aux multiples facettes. Voilà le vrai Steve McQueen, immortalisé par l'objectif d'un véritable ami.
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M.C. Escher ; l'oeuvre graphique
Collectif, Maurits cornelis Escher
- Taschen
- Grande Collection
- 13 Février 2008
- 9783836506380
M. C. Escher est né en 1898 à Leeuwarden, aux Pays-Bas. Au collège, F. W. van der Haagen lui donne ses premiers cours de dessin et lui enseigne également la technique de la gravure sur linoléum qui aidera Escher à développer son talent inné pour l'art graphique.
De 1912 à 1922, Escher suit les cours de l'École d'Architecture et des Arts Décoratifs de Haarlem, où S. Jessurun de Mesquita, qui exerce une grande influence sur la suite de sa formation artistique, l'initie aux techniques graphiques. Entre 1922 et 1934, l'artiste vit et travaille en Italie. Escher passe ensuite deux ans en Suisse, puis cinq à Bruxelles, avant de s'installer définitivement à Baarn en Hollande, où il meurt en 1972.
M. C. Escher n'est pas un surréaliste qui chercherait à nous attirer dans son univers onirique, mais un architecte de mondes parfaitement impossibles qui fait passer ce qui est structurellement inconcevable pour une loi de la nature. Les illusions qui en résultent brouillent dimensions et perspectives et nous renvoient aux limites de notre perception sensorielle.
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UN CINEMA PARTICULIER : Le cinéma expérimental reste assez peu connu du grand public bien qu'il trouve ses origines avant la première réalisation des frères Lumières. Cet art est en marge du cinéma traditionnel et n'obéit à aucunes règles prédéfinies.
L'OUVRAGE : Cet ouvrage explore la façon dont les artistes ont utilisé ce moyen d'expression pour en dépasser les conventions et atteindre un cinéma vraiment expressif - où le rythme, les couleurs, la structure narrative sont autant d'exemples de l'originalité des idées et des sensations illustrées. Divisé en dix parties consacrées à autant de genres, parmi lesquels le collage, l'appropriation, le lyrisme, le structuralisme, et la parodie, Art Cinema brosse un survol détaillé des différentes approches et de la façon dont elles s'inscrivent dans un contexte artistique et historique.
LES ARTISTES : Plus de cinq cents films et réalisateurs sont présents, de grands maîtres comme Hans Richter, Man Ray, et Stan Brakhage, à de grands noms contemporains comme David Lynch, Michel Gondry, et Lars von Trier; des légendes de la nouvelle vague Jean-Luc Godard, Ken Russell, et Luis Buñuel à des icônes underground ou des artistes contemporains tels que Kenneth Anger, Matthew Barney, Bruce Conner, Michael Snow, Chris Marker, et Stan Douglas.
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Le cinéma japonais
Stuart Galbraith IV, Paul Duncan
- Taschen
- Grande Collection
- 27 Août 2009
- 9783822831595
Kurosawa... et les autres Une revue de l'oeuvre des plus grands cinéastes japonais.
Ce n'est que très récemment que l'Occident a cessé de ne considérer le cinéma japonais qu'à travers le prisme très restreint de l'oeuvre d'Akira Kurosawa, de quelques films de Kenji Mizoguchi et Yasujiro Ozuou de quelques films d'horreur mal doublés. De grands cinéastes tels que Mikio Naruse ou Keisuke Kinoshita restent inconnus à l'Ouest, et les comédies et comédies musicales ne sont guère connues en dehors d'Asie. Cet ouvrage vise à réparer l'omission, illustrant une histoire du cinéma japonais de nombreuses et superbes affiches et photographies.
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Le peintre biélorusse Marc Chagall (1887-1985) est considéré comme l'incarnation du "peintre poète". Aucun autre artiste de son siècle n'a suscité la même admiration universelle.
Les tableaux de Chagall, imprégnés de mythologie et de mysticisme, mettent en scène des rêves et des contes pittoresques profondément enracinés dans ses origines judéo-russes. Les souvenirs et la nostalgie qu'ils évoquent rappellent sa Vitebsk natale et les grands événements qui ponctuent la vie des gens ordinaires: la naissance, l'amour, le mariage et la mort. Ils racontent un univers riche de miracles quotidiens, dans la chambre des amants aussi bien que dans les rues de Vitebsk ou sous la tour Eiffel à Paris.
Le ciel et la terre semblent se rejoindre dans un monde sens dessus dessous dans lequel des silhouettes fantasques de personnes et d'animaux flottent dans l'air, défiant sereinement la loi de la gravité.
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Gil Elvgren ; the complete pin-ups
Charles g. Martignette
- Taschen
- Grande Collection
- 7 Février 2008
- 9783836503051
Après la Grande Dépression, l'Amérique avait cruellement besoin d'un nouveau genre d'iconographie qui la sorte de son marasme noir et blanc, renouveau qui a pris la forme des fantasmes en technicolor de Gil Elvgren illustrant le rêve américain. Sa technique, qui lui valu le surnom de " Norman Rockwell du cheesecake ", consistait à photographier des modèles avant de les peindre d'une manière hyperréaliste en les sublimant avec des jambes plus longues, des chevelures plus flamboyantes et des poitrines défiant la loi de la gravité: un régal pour les yeux, de quoi remonter le moral à tous les soldats qui avaient le mal du pays.
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"Le mystère est mystifiant; c'est quelque chose d'intellectuel. Le suspense, lui, est émotionnel." - Alfred Hitchcock Le nom d'Hitchcock est synonyme de suspense ou, plus exactement, d'un suspense captivant, mené de main de maître, presque insoutenable, qui donne la chair de poule, des sueurs froides et fait dresser les cheveux sur la tête. Grâce à des chefs-d' uvre comme Rebecca, Sueurs froides, Fenêtre sur cour et Psychose, Alfred Hitchcock (1899-1980) a conçu une approche extrêmement originale de l'art de faire du cinéma, souvent imitée sans jamais être égalée; son talent à envoûter et à effrayer progressivement le spectateur, sa subtilité et son pouvoir de suggestion lui ont valu une réputation prestigieuse qui n'a fait que croître avec le temps. Il est, et sera à jamais, le maître du suspense cinématographique. Ce livre, qui retrace l'ensemble de sa vie et de sa carrière, de ses premiers films muets à son dernier long métrage en 1976, contient également un bonus spécial que les fans d'Hitchcock apprécieront tout particulièrement: une liste illustrée et annotée de chacun de ses caméos.
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Japanese Cinema
Stuart Galbraith IV, Paul Duncan
- Taschen
- Grande Collection
- 15 Juillet 2010
- 9783822831564
Exploring the work of the greatest Japanese filmmakers.
Beyond Kurosawa: exploring the work of the greatest Japanese filmmakers.
Until very recently, the western world has viewed Japanese cinema through a very narrow prism. For years, Westerners interested in Japanese film have had to content themselves with the collected works of Akira Kurosawa, a spotty sampling of films by Kenji Mizoguchi and Yasujiro Ozu, gobs of anime, and badly dubbed monster movies. Many great filmmakers like Mikio Naruse and Keisuke Kinoshita have remained unknown in the West, and musicals an comedies are hardly known outside Asia. This volume will help set the record straight, illustrating the history of Japanese cinema with vivid posters and stunning photography.
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Les oeuvres de René Magritte (1898-1967) et les idées qu'elles mettent en scène représentent un cas tout à fait à part dans l'histoire de l'art moderne, comme dans le domaine de la peinture surréaliste. Dans sa quête du "mystère" qui enveloppe à la fois objets et organismes, Magritte a créé des tableaux qui s'inspirent du quotidien, mais suivent une tout autre logique que celle à laquelle nous sommes habitués. Magritte représente le monde réel avec une telle superficialité, une telle absence de mystère, que celui qui se trouve confronté à ses tableaux se dit forcément que le mystère se dégageant de ces toiles ne peut pas venir d'une quelconque transfiguration sentimentale, mais qu'il est produit par son propre système de pensée, ses propres associations d'idées. Magritte a inventé un langage pictural inimitable dont il se sert pour interroger notre manière habituelle d'interpréter les images. Dans cet ouvrage, Jacques Meuris retrace l'évolution artistique de Magritte de ses débuts jusqu'à ses dernières oeuvres, en soulignant l'originalité de ce grand surréaliste belge.
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"Ce livre est une vraie bible pour tous les amoureux du Pop Art, de Twiggy, des Beatles et de tout ce qui est rétro. Ce guide incontournable des années 1960 transformerait le moderniste le plus acharné en parfait hippie." - Homes and Living, Sydney Sixties Design propose, grâce à une iconographie impressionnante, un voyage à travers une décennie exceptionnelle. L'auteur revient sur cette période en explorant certains thèmes essentiels, le continuum moderniste, la culture pop, le "space age", les projets utopistes et "l'anti-design", qui permettent de mieux cerner l'impact de ces nouvelles façons de concevoir chaque domaine du design. Sélection des meilleurs exemples du design de la décennie, les illustrations couvrent un grand nombre de supports différents et permettent de mettre en relation design industriel et domestique, graphisme, cinéma, mode, architecture et urbanisme.
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Cet ouvrage reproduit 139 gravures sur bois en couleur réalisées par 43 grands maîtres de l'ukiyo-e, un art populaire du XVIIe au XIXe siècle.
L'introduction, "Ukiyo-e, origines et histoire", par le conservateur du musée Riccar, Mitsunobu Sato, permet au lecteur de se familiariser avec l'histoire de cette forme artistique. Il est suivi du chapitre "Cerise, bois, fleurs" dans lequel Thomas Zacharias, professeur à l'Académie de Munich, examine la technique, le contenu et le style des estampes japonaises ainsi que leur influence sur l'art européen au tournant du siècle.
L'annexe de 10 pages comprend un glossaire de termes techniques ainsi que les biographies des 43 artistes.
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Ad-empire romain des etrusques au declin de l'empire
Henri Stierlin
- Taschen
- Grande Collection
- 20 Juin 2002
- 9783822817773
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"Brassaï est un oeil vivant", voilà ce qu'a écrit Henry Miller à propos de l'artiste d'origine hongroise qui, après la Première Guerre mondiale, se fixe à Paris dont il devient l'un des photographes les plus célèbres. Brassaï (1899-1984), qui commence comme peintre avant de se tourner vers l'écriture, la sculpture, le cinéma, et, ce pour quoi il est le plus connu, la photographie, fait partie de l'élite culturelle de Paris et compte entre autres Miller, Picasso, Sartre, Camus et Cocteau parmi ses amis. L'appareil photo à la main, il parcourt les rues et les bars de Paris, dont il "croque" avec naturel les occupants dans leur milieu habituel. Prostituées, voyous et autres personnages "marginaux" sont les héros les plus célèbres des photographies à la fois surprenantes et osées de Brassaï, souvent prises de nuit. Cet ouvrage comprend une vaste sélection des meilleurs clichés du photographe, ainsi qu'un essai décrivant sa vie et son oeuvre qui explore l'univers de Brassaï à travers des chapitres thématiques: "Du côté du Minotaure", "Paris la nuit", "Paris secret", "Visions de jour", "Artistes de ma vie", et "Graffiti et Transmutations".
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Karl Blossfeldt ; the complete published woek
Hans Christian Adam
- Taschen
- Grande Collection
- 7 Août 2008
- 9783836504690
Karl Blossfeldt (1865-1932), pionnier allemand de la photographie, réalisait de si belles images des plantes en témoignant d'une telle originalité que son travail a transcendé ce mode d'expression artistique. Pendant plus de trente ans, il a pris des milliers de photographies, faisant preuve d'un talent guidé par une rigueur formelle, d'un soin et d'une précision qui ont relié les univers de la création d'images des XIXe et XXe siècles et ont donné un aspect sculptural distinctif à cette forme artistique bidimensionnelle. Les images de Blossfeldt, dont la composition est à la fois sobrement et merveilleusement mise en valeur sur un simple fond de carton, et auxquelles la lumière du nord confère une impression de volume, ne révèlent rien de l'artiste mais dévoilent tout d'elles-mêmes. Ces natures mortes, qui atteignent dans leur domaine un degré de perfection suprême, ont perduré grâce à leur incroyable technicité et à la fascination jamais démentie qu'elles ont exercée sur les étudiants comme sur les photographes. Tout comme leur créateur, elles se sont discrètement, mais durablement imposées.